crítica de Pozoamargo (Enrique Rivero, España, 2015).
Pozoamargo es una localidad, un espacio físico ubicado en un mapa, pero también es el lugar metafórico en el que se encuentra el papel protagónico del relato, un Jesús en absoluta caída libre devorado por un sentimiento de culpa de raíz sexual. A lo largo de la historia, este personaje irá deslizándose poco a poco hacia el más bajo de los escalones vitales posibles, abandonando cualquier posesión material y afectiva; recreándose en una especie de purgatorio doloroso más parecido a una antesala del infierno que a una vida, a un vegetar sufriente a la espera del fin sin esperanza de conocer a su propia sombra. Desde la primera escena, de una fisicidad que atraganta, donde un hombre folla desesperadamente con su mujer embarazada, mientras su sombra se proyecta en las paredes de la habitación haciendo dudar sobre quién está disfrutando o accionando en ese momento, hasta la conclusión en una cama de hospital, superado el estigma que marca al personaje de manera absoluta, Rivero plantea la dicotomía de un hombre y su sombra, la falta de unión entre ellos, como si la sombra no dejara de ser ese reverso oscuro que todos llevamos dentro y del que el personaje de Jesús quiere renegar sin atrever a conocerse interiormente.
Portador de una enfermedad sexual sin nombre, para la que no quiere cura ni tratamiento, sino castigo y penitencia, Jesús pone tierra de por medio convencido de haberla transmitido a su mujer y al bebé que está a punto de nacer. Es cuando empiezan los años de peregrinaje de un hombre dispuesto a abandonar todo para sumirse en el recuerdo permanente del daño causado, introduciendo el elemento masoquista del dolor sin pensar en el remedio, no aceptando la posibilidad de salvación más que desde la huida vacía. No es difícil imaginar que en esa renuncia hay un origen culpable, esa enfermedad no se ha adquirido de manera espontánea. Es esa marca del pecado la que provoca la marcha y el abandono de todo lo que se tenía y se quería. Deambulando por áridos paisajes, secarrales del campo que no dejan de ser los del alma del penitente, Jesús termina asentándose en una localidad de nombre Pozoamargo. Un extraño, un inmigrante en territorio desconocido, mendigando un trabajo físico en el campo que endurezca y curta su piel, y al mismo tiempo, que el dolor de sus fibras se haga más insoportable por el esfuerzo, con lo que se sentirá más reconfortado por sufrir en sus propias carnes la medida del daño que presume haber causado. Pero en toda renuncia existe la tentación, en todo arrepentimiento la posibilidad de recaer. Antes de establecerse en ese nuevo espacio, las imágenes ya preludian dónde está el punto débil del caminante. Por más que intente rehuir a las mujeres, en su cuerpo seco, consumido, hay algo que las atrae, en este caso el objeto de deseo y perdición es la impresionante (en todos los sentidos) Natalia de Molina, incluida su primera aparición en bicicleta, objeto de deseo inmediato, tentación absorbente que proporciona a la película el color que el personaje de Jesús va apagando a su paso, actriz intérprete de una de las escenas eróticas más conseguidas del reciente cine español, y que supone otro punto de inflexión en la cinta, que evoluciona, precisamente, marcada por dos instantes de sexo que transforman el placer en dolor en apenas un instante, y siempre desde la soledad poscoital de Jesús.
«Pozoamargo es un compendio espléndido de lo que el nuevo cine puede hacer alejándose del uso del lenguaje convencional, del costumbrismo rancio de interior, de episodios unidos por el mero afán recaudador, alejado de etiquetas comerciales pero demostrando una intensidad narrativa encomiable».
Abierto el último tramo de la historia, nos encontramos en la antesala del infierno. Si la huida a un espacio asfixiante como el de un pequeño pueblo no ha permitido a Jesús limpiar su mancha, sólo cabe el aislamiento total y definitivo; encerrarse en un rincón perdido y abandonado, de construcciones arruinadas y donde sólo puede relacionarse con otros desadaptados como él y con los animales que cuidan. Un paisaje tenebroso y hostil, sometido a los rigores del clima, sin comodidad ni lujo alguno, donde este personaje asume esta fase como la definitiva, el preámbulo de una muerte que anticipa y que desea, la muerte como liberación de una carga insoportable que no puede eliminar porque forma parte de su condición humana, de la sombra que le acompaña por más que intente eliminarla. Para Jesús la mancha está en el sexo como en otros puede estar en la codicia, en la maldad, en la envidia. No obstante, llegado el momento que parece definitivo, nadie espera a la muerte de manera plácida. Esa resistencia a morir, esa necesidad íntima de sentirse perdonado por años de renuncia y absentismo, se resuelven de manera paradójica y mediante el humor negro en el tramo final. Cuando Jesús se enfrente, recuperado, a su sombra, descubrirá, entre inquieto y retador, que ésta se ha multiplicado, que lo que parecía una única duda en su interior, se ha transformado en un ser con personalidad poliédrica. Las sombras de cada uno o se controlan o te destruyen, pero primero hay que conocerlas. Rivero sabe mucho de cómo plasmarlas porque ya lo hizo muy bien en Parque vía, y ayudado por una fotografía excelente que da a las texturas de la imagen y de los espacios la suficiente aridez que precisa el personaje, derivando progresivamente hacia el blanco y negro, como si ese alma de Jesús se fuera apagando poco a poco. Y tampoco puede descartarse, en esa carga animal de los encuentros sexuales, en la representación dolorosa de la culpa, la influencia de Carlos Reygadas, con el que Rivero ha colaborado anteriormente. En definitiva, el dispositivo funciona a la perfección en esa ausencia de diálogos, en ese camino explícito de un ser arruinado por la culpa que se encuentra, a mitad del viaje, con otro que vive libre y voluntariamente, su juventud y su cuerpo. Con una puesta en escena diseñada para comprometer al espectador ante la radiografía del dolor interno, y que se transporta a cualquier acto del protagonista, por mínimo que sea éste, Pozoamargo es un compendio espléndido de lo que el nuevo cine puede hacer alejándose del uso del lenguaje convencional, del costumbrismo rancio de interior, de episodios unidos por el mero afán recaudador, alejado de etiquetas comerciales pero demostrando una intensidad narrativa encomiable. Sea en México, en España, o entre ambas, bienvenido sea Rivero a los campos de Castilla y deseemos que obtenga financiación para nuevas películas tras esta y las precedentes Parque vía y Mai morire. | ★★★★ |
crítica de THE CHILDHOOD OF A LEADER (Brady Corbet, Reino Unido, 2015).
Los debuts en la dirección de actores son siempre algo llamativo. Cuando alguien se ha ganado la vida como intérprete, cuando está dejando o ha dejado una impronta en la gran pantalla a través del arte de la interpretación, la idea de que se ponga tras la cámara suele despertar la curiosidad del respetable. Con esto en mente, podría sorprender a más de uno que el norteamericano de 27 años Brady Corbet se estrene como director con una película como The childhood of a leader, exploración libre y puede que en exceso sutil de la infancia de quien acabará siendo un poderoso líder fascista –algo que sabemos por el título y la prensa alrededor de la cinta–, que se inspira en un relato corto firmado por Jean-Paul Sartre y en la novela de John Fowles “The Magus”, publicada en 1965. Si uno se detiene a contemplar la filmografía del intérprete, verá que tiene algo de sentido que haya decidido dirigir una ópera prima como ésta. Y es que ha trabajado con gente como Michael Haneke, Mia Hansen-Løve, Olivier Assayas, Lars von Trier, Bertrand Bonello o Ruben Östlund, en roles de mayor o menor tamaño, y la atmósfera dura y asfixiante de la cinta que nos ocupa remite tanto al danés como a austríaco, sin dejar de sonar la melodía europea del resto del grupo.
El argumento nos lleva a principios del siglo XX, poco después del final de la I Guerra Mundial y en plena elaboración del Tratado de Versalles, datos que sabremos a través de susurros y frases dichas en segundo plano, porque lo que le importa al cineasta/co-guionista es comprobar el cambio del joven Prescott (estupendo Tom Sweet), hijo de militares que en su llegada a un pueblo francés debe adaptarse a una nueva vida mientras se cuece un nuevo mundo, algo que simplemente no le gusta. Es un niño que tiene rabietas, y de las grandes. A través de las idas y venidas de su padre y la actitud de su madre ante lo que va sucediendo, el joven aprenderá en varios niveles sobre el poder y sus abusos, sobre la vergüenza y el rencor. El entorno le es hostil y él responde con una pequeña rebelión despiadada, cocinada a fuego lento en un progresiva e incómoda progresión dramática que a veces despierta risas de incomodidad, sobre todo en el duelo que se marca con su Madre, a la que da vida una estupenda Bérénice Bejo y que sin entrar en explicaciones innecesarias se entiende desde el principio, porque viene de un lugar casi instintivo que cualquier espectador puede comprender.
crítica de Microbio y Gasoil (Microbe et Gasoil, Michel Gondry, Francia, 2015).
De vez en cuando pasa en la carrera de un director que le llega un momento en que quiere acometer un proyecto pequeño, sencillo, agradable de realizar y mostrar al mundo. Esto sucede sobre todo si el director en cuestión es alguien ambicioso, amigo de las apuestas complicadas, amante de la inventiva visual y el más-todavía. Michel Gondry no para de trabajar, ya sea en en el género documental —la juvenil Nosotros y yo (The We and the I, 2012) o la animada Is the Man Who Is Tall Happy? (2013), exploración de la figura de Noam Chomsky— o en las apuestas de ficción. Pero la estupenda La espuma de los días (L'Écume des jours, 2013) —que ya en sí fue una huida tras su primer encargo en Hollywood, The Green Hornet (2011), su película peor recibida— tiene pinta de haber sido una película difícil de hacer, aunque sea solo de un punto de vista práctico, y más aún de promocionar, ya que la respuesta de público y crítica fue dispar. Con todo esto en mente, no es ninguna sorpresa que la nueva cinta del imaginativo director francés sea esta Microbio & Gasoil, irresistible y vitalista crónica de una aventura juvenil de la mano de una pareja protagonista que parece la partición en dos de la personalidad del propio cineasta.
El joven Théo es con diferencia el más bajito de su clase y el pelo largo que lleva hace que le confundan a menudo con una chica, lo que le hace sufrir porque quién de verdad le gusta es Laura, y así no hay manera de que se fije en él. Un día llega a clase un alumno nuevo de nombre Daniel, experto en motores que huele a grasa de motor y gasoil todo el tiempo y que cuenta con una disposición ante la vida refrescante. Sus ambientes no pueden serlo más distintos, pero su amistad es instantánea, y les une una insobornable voluntad de diferencia (Théo con sus dibujos, Daniel con sus inventos mecánicos). Lo que nos ofrece Gondry durante una hora y cuarenta y tres minutos no es nada nuevo, nada que el cine no haya abordado en múltiples ocasiones. El subgénero del cine con pareja de amigos adolescentes en una gran aventura, unidos contra un mundo banal hasta el hartazgo, y que experimentarán sus más y sus menos en una travesía tanto física como emocional. Todo ya oído, aunque el cineasta es capaz de inyectar unas gotas de incorrección, un sentido del humor sin límites y algunas sacudidas de drama que alteran un poco la fórmula y hace de la experiencia algo no solo altamente disfrutable, sino también algo memorable.
crítica de El tiempo de los monstruos (Félix Sabroso, España, 2015).
«El viejo mundo se muere, el nuevo tarda en aparecer, y en ese claroscuro surgen los monstruos». La célebre cita de Gramsci abre el sorprendente nuevo trabajo de Félix Sabroso, al que la vida le ha hecho tener que debutar en solitario tras toda una vida compartiendo labores con Dunia Ayaso, fallecida el año pasado. A la mujer está dedicada con todo el amor y dolor esta compleja historia de título El tiempo de los monstruos, para la cual la acepción “cine-dentro-del-cine” se queda corta porque ejecuta una vuelta de tuerca más profunda. Un nuevo sentido. Y “sentido” es una palabra primordial para tratar de entender del todo la propuesta, algo difícil de hacer tras un único visionado. Así que este crítico advierte de entrada que el texto que sigue es una suerte de esbozo, un primer intento de desentrañar un filme que desde ya cuenta con todas las simpatías porque Sabroso arriesga como nunca, y eso es loable siempre. Eso no quiere decir que sea una película perfecta, ni mucho menos, pero su naturaleza insólita y lo laberíntico de su desarrollo la hacen una historia irresistible para cualquier espectador que busque un desafío. Que todo el que arriesga caiga de pie, como dice el gran crítico Jordi Costa.
Tras unos comienzos revolcados en la comedia más petarda y ocurrente, el dúo Sabroso & Ayaso fueron evolucionando su mirada, depurando las historias hasta dejar que lo dramático hiciera su aparición. Tras la genial Descongélate (2003) y la notable comedia dramática Los años desnudos (2008), nos dieron La isla interior (2009), cinta rompedora con su estilo pero que se movía hacia delante con una fuerza arrolladora. Un drama seco y magnífico, sutil hasta el dolor en su descripción de la enfermedad y la herencia genética como gran miedo en la vida de una persona. Un trabajo implacable y recorrido por un hálito de desolación que helaba la sangre. Luego vino la triste noticia, y Sabroso rodó cinco meses después este proyecto, homenaje al cine y a los que lo hacen, y a los que lo viven. Porque ese es a grandes rasgos el argumento de El tiempo de los monstruos, el cine que es vida y la vida según las reglas del cine. La historia comienza cuando el director de cine Víctor y su esposa Clara convocan en su mansión a su habitual troupe de colaboradores: el guionista Raúl, su pareja y artista Virginia y la actriz Andrea, que aparece con su novio de turno, Jorge, un mecánico dental. O “el nuevo personaje”, que lo llaman todos. En la casa además sirven Marta y Fabián, dúo que administra el hogar y el ánimo de sus habitantes con la mayor de las distancias, y que son lo que más en control están de toda la situación. Víctor está enfermo, y antes de morir quiere hacer una última película, que Raúl y él han desarrollado previamente en papel. Esa primera escena, en la que director y guionista trabajan en la presentación de los personajes, contiene la que será la primera de las muchas libertades narrativas que el cineasta canario se toma (cuando hace que los personajes se muevan en orden a la voz en off), y marcará el tono de lo que nos espera en poco más de 90 minutos de metraje. Además de ser el momento donde se verbaliza una de las máximas de toda esta historia: “lo que importa es el final”.
Palmarés de la XII edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla.
Durante la última semana del SEFF, las entusiastas opiniones remarcaban que el Giraldillo de Oro inscribiría un apellido de nivel en su base. Y así ha sido. José Luis Guerín, que ya maravilló en Locarno, se ha alzado como el gran triunfador de esta edición del Festival de Sevilla con la fresca e insolente La academia de las musas. Gran espaldarazo para un filme destinado a un limitado movimiento comercial. Lo mismo podría decirse de la ambiciosa obra de Miguel Gomes, Las mil y una noches, cuyo tres volúmenes han obtenido el segundo galardón en importancia. Ambos han hecho disfrutar a la cinefilia durante todo el certamen con ejercicios de autor, comprometidos y visualmente rotundos. Barcelonés y lisboeta han sido los grandes protagonistas del SEFF, pero no los únicos. La cinta rumana One floor below, que tuvo su presentación en Una cierta mirada de Cannes, ha conseguido dos galardones (mejor guion y actor); al igual que la docuficción de Roberto Minervini The other side (Mejor dirección y fotografía). Otro nombre ilustre, Amos Gitai, completó el pódium del cuadro de honor con Rabin, the last day. Un listado de ganadores que da lustre a un evento con el marchamo de clásico. EL SEFF, además, no quiso cerrar sin despedirse de Chantal Akerman, brindándole una mención muy especial a su último trabajo, No home movie. Así lo justificó el jurado de Las nuevas olas-No ficción: «El jurado ha decidido hacer una mención especial de forma unánime a “No home movie”, por ser una película que va desde la intimidad hasta la memoria colectiva y sus agujeros negros, que presenta al cine como un modo de expresión simple y personal, pero también con poderosa capacidad de resonancia del tiempo y del espacio. Es una película que conecta presente y pasado a través de profundas y complejas emociones, mostrándonos que un evento tan difícil como la muerte de los seres queridos puede compartirse. Aquí el cine nos ofrece la sensación familiar de estar vivo, en su modo más concreto e intenso». A continuación, les dejamos con el palmarés.
SECCIÓN OFICIAL
■ Giraldillo de Oro: La academia de las musas de José Luis Guerín (España). ■ Giraldillo de Plata: Las mil y una noches de Miguel Gomes (Portugal). ■ Premio Especial del Jurado: Rabin, the last day de Amos Gitai (Israel). ■ Premio a la Mejor Dirección: Roberto Minervini por The other side (Francia). ■ Premio al Mejor Guion: Alexandru Baciu por One floor below (Rumanía). ■ Premio a la Mejor Actriz: Clotilde Courau por In the shadow of women (Francia). ■ Premio al Mejor Actor: Teo Corban por One floor below (Rumanía). ■ Premio a la Mejor Fotografía: Diego Romero por The other side (Francia).
LAS NUEVAS OLAS
■ Premio a la Mejor Película: Pozoamargo de Enrique Rivero. (México, España). ■ Premio Especial: Berseker de Pablo Hernando (España). ■ Mención de honor: Dead slow ahead de Mauro Herce (España, Francia).
LAS NUEVAS OLAS NO FICCIÓN
■ Premio a la Mejor Película: The Event, de Sergei Loznitsa (Países Bajos). ■ Mención muy especial: No home movie de Chantal Akerman (Bélgica).
PREMIOS PARALELOS
■ Premio FIPRESCI a la Mejor Película de la sección Resistencias: Transeúntes de Luis Aller (España). ■ Premio Giraldillo Junior: Yoko y sus amigos (España, Rusia). ■ Gran Premio del Público: Mustang de Deniz Gamze Ergüven (Francia). ■ Premio Marvin & Wayne: La inmensa nieve de Carlos Rivero (España).
Programa de la XII edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla.
Del 6 al 14 de noviembre llegará uno de los últimos eventos relevantes del circuito continental: el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Un lujoso contenedor con todos los títulos más destacados del año en Europa. Autores como Marco Bellocchio, Miguel Gomes, Amos Gitai, José Luis Guerín, Yorgos Lanthimos y Philippe Garrel lucharán por el Giraldillo de Oro, máximo galardón de la competición. Poderosos aspirantes que subrayan la calidad de la Sección Oficial en esta entrega del certamen andaluz.
Recomendaciones
Desde EAM, si tienen la oportunidad, les sugerimos que no se pierdan el romanticismo surrealista de Langosta (The lobster, Yorgos Lanthimos); el debut de un cineasta que promete ser grande, The childhood of a leader (Brady Corbet); la trilogía de Miguel Gomes, Las mil y una noches; y la estética y profunda cinta rusa Under electric clouds (Aleksei German Jr.). Todas dentro de la S.O. En paralelas, la excelente Babai, sobre la inmigracion balcánica; el thriller juvenil sueco The here after (Magnus Van Horn); la docuficción checa Koza (Ivan Ostrochovský); y, para terminar, la bella La novia (Paula Ortiz).
A continuación, el programa de las secciones más relevantes:
SECCIÓN OFICIAL
■ Blood of my blood, de Marco Bellocchio (Italia). ■ C'est l'amour, de Paul Vecchiali (Francia). [Fuera de concurso] ■ El cuento de los cuentos (Il racconto dei racconti), de Matteo Garrone (Italia). ■ In the shadow of women, de Philippe Garrel (Francia). ■ La academia de las musas, de José Luis Guerín (España). ■ Langosta (The lobster), de Yorgos Lanthimos (Grecia). ■ Las mil y una noches, Vol.1, Vol. 2 y Vol. 3, de Miguel Gomes (Portugal). ■ Madame Marguerite, de Xavier Giannoli (Francia). ■ O futebol, de Sergio Oksman (España). ■ One floor below, de Radu Muntean (Rumanía). ■ Peace to us in our dreams, de Sharunas Bartas (Lituania). ■ Rabin, the last day, de Amos Gitai (Israel). ■ Suite armoricaine, de Pascale Bretton (Francia). ■ The childhood of a leader, de Brady Corbet (Reino Unido). ■ The other side, de Roberto Minervini (Francia). ■ Two friends, de Louis Garrel (Francia). [Inauguración] ■ Under the electric clouds, de Aleksei German Jr (Rusia).
LAS NUEVAS OLAS
■ Babai, de Visar Morina (Kosovo). ■ Berserker, de Pablo Hernando (España). ■ Dead Slow Ahead, de Mauro Hercé (España). ■ Deus Rémi, deux, de Pierre Léon (Francia). ■ Frenzy, de Emin Alper (Turquía). ■ Hedi Schneider is stuck, de Sonja Heiss (Alemania). ■ John From, de João Nicolau (Portugal). ■ Koza, de Ivan Ostrochovský (República Checa). ■ My friend Victoria, de Jean Paul Civeyrac (Francia). ■ Parabellum, de Lukas Valenta Rinner (Argentina, Austria). ■ Paradise, de Sina Ataeian Dena (Irán, Alemania). ■ Pozoamargo, de Enrique Rivero (España). ■ Stubborn, de Armel Hostiou (Francia). ■ The summer of Sangailé, de Alanté Kavaïté (Lituania).
LAS NUEVAS OLAS: NO FICCIÓN
■ Absent, de Matthew Mishory (Rumanía). ■ Back track, de Virgil Widrich (Austria). ■ From Caligari to Hitler, de Rüdiger Suchsland (Alemania). ■ IEC long, de João Pedro Rodrigues, João Rui Guerra da Mata (Portugal). ■ Kommunisten, de Jean-Marie Straub (Francia). ■ La France est notre patrie, de Rithy Pahn (Camboya, Francia). ■ La Guerra de Argelia, de Jean-Marie Straub (Francia). ■ Meurtrière, de Philippe Grandrieux (Francia). ■ No home movie, de Chantal Ackerman (Bélgica). ■ Olmo and the seagull, de Petra Costa, Lea Glob (Dinamarca). ■ Over the years, de Nikolaus Geyrhalter (Austria). ■ The event, de Sergei Loznitsa (Ucrania). ■ The sky trembles and the Earth is afraid and the two eyes are not brothers, de Ben Rivers (Reino Unido). ■ Things, de Ben Rivers (Reino Unido).
SELECCIÓN EFA
■ Afterthought, de Elad Kleidan (Israel). ■ Body, de Malgorzata Szumowska (Polonia). ■ Einsenstein en Guanajuato, de Peter Greenaway (Países Bajos). ■ La loi du marché, de Stéphane Brizé (Francia). ■ Mia madre, de Nanni Moretti (Italia). ■ Mustang, de Denis Gamze Ergüven (Turquía). ■ No one's child, de Vuk Ršumović (Serbia). ■ Rams, de Grimur Hákonarson (Islandia). ■ Schneider vs. Bax, de Alex van Warmerdam (Países Bajos). ■ The here after, de Magnus Van Horn (Suecia).
PROYECCIONES ESPECIALES
■ A german youth, de Jean-Gabriel Périot (Francia). ■ April and the extraordinary world, de Christian Desmares, Franck Ekinci (Francia). ■ Cemetery of Splendour, de Apichatpong Weerasethakul (Tailandia). ■ El nudista, de Alejandro P. Waudby (España). ■ Hitchcock/Truffaut, de Kent Jones (Reino Unido). ■ La novia, de Paula Ortiz (España). ■ Mediterranea, de Jonas Carpignano (Italia). ■ Microbe and gasoline, de Michel Gondry (Francia). ■ Paulina, de Santiago Mitre (Argentina). ■ Petting zoo, de Micah Magee (Alemania). ■ The trip to Italy, de Michael Winterbottom (Reino Unido). ■ Torneranno i prati, de Ermanno Olmi (Italia). ■ Why? de Nadav Lapid (Israel). ■ You're ugly too, de Mark Noonan (Irlanda).
José Luis Guerín y Sergio Oksman competirán por el Giraldillo de Oro
Esta mañana, José Luis Cienfuegos, director del Festival de Sevilla, ha anunciado las 12 producciones españolas que formarán en la duodécima entrega del certamente hispalense. Una selección que permitirá volver a ver en tierras peninsulares el último trabajo de uno de los grandes directores del cine español, José Luis Guerín. La academia de la musas, que se proyectó con loas en agosto en el Festival de Locarno, es un filme protagonizado actores semiprofesionales y ambientado en la Facultad de Filología de la Universidad de Barcelona. La historia gira en torno a una clase en la que Pinto, que interpreta a un profesor italiano devoto de la poesía y Dante, termina conformando una especie de sociedad secreta con sus alumnas en un círculo que genera encuentros y desencuentros. Del certamen suizo, también, proviene O futebol, del director hispano-brasileño Sergio Oksman, el relato en formato cuasi documental de un reencuentro entre padre e hijo con la Copa del Mundo de Fútbol de Brasil de 2014 como fondo. Ambas lucharán por el máximo galardón: El Giraldillo de Oro.
Tres películas de nuestro país estarán programadas en la siempre interesante sección Las Olas: Pozoamargo, de Enrique Rivero, protagonizada por Natalia de Molina, ganadora del Goya Revelación; la cinta de fantasía Berserker, dirigida por el vitoriano Pablo Hernando y protagonizada por Ingrid García Jonsson; y, Dead Slow Ahead, que obtuvo una mención especial en Cineastas del Presente del Festival de Locarno. El primer filme de Mauro Herce, director de fotografía de filmes como Arraianos (Eloy Enciso, 2012) y A puerta fría (Xavi Puebla, 2012), tendrá su premiere española en el SEFF. Completan la representación nacional: El nome de los árboles (Ramon Lluís Bande), La ciudad del trabajo (Guillermo G. Peydró), Transeúntes (Luis Aller), Amor tóxico (Norberto Ramos del Val), No Cow on the Ice (Eloy Domínguez Serén), Verengo (Víctor Hugo Seoane) y La extranjera (Miguel Ángel Blanca), todas encuadradas en Resistencias. Fuera de concurso se exhibirán la esperada El tiempo de los monstruos (Félix Sabroso); Eco, cuarto documental de Xacio Baño; y Agosto sin ti, de Las chicas de Pasaik (Maider Fernández, María Elorza). Y dentro de las Proyecciones Especiales tendrá hueco una de las futuras sensaciones de fin de año: La novia, de Paula Ortiz, y El nudista (Alejandro Philip Waudby). El Festival de Sevilla se desarrollará del 6 al 14 de noviembre.
Birgit Hein y Peter Tscherkassky, junto con el arquitecto y cineasta afincado en Sevilla Juan Sebastián Bollaín, tendrán cabida en la programación del SEFF
«Tres autores considerados como paradigma del cine experimental y cuya influencia se ha dejado notar en el panorama audiovisual europeo a lo largo de estas últimas décadas». El Festival de Cine Europeo de Sevilla dedicará un amplio vano a la filmografía de tres nombres siempre fuera de foco pero muy relevantes dentro de este nebuloso páramo del cine experimental. Birgit Hein (Berlín, 1942), profesora de audiovisuales en la Escuela Superior de Bellas Artes de Braunschweig, ha dedicado su carrera a cuestionar la representación de la mujer, presentándola no tanto como víctima de la represión sino como un ser fuerte, violento y sexualizado frente a un mundo de hombres. Hein trabajó toda su vida con Wilhelm Hein (1966-1988), para luego hacerlo en solitario (desde 1991) y convertirse en uno de los estandartes del underground. Un hito que comparte con Peter Tscherkassky (Viena, 1958), cineasta documentalista y mago de la manipulación analógica que estará en Sevilla presentando su último trabajo: The exquisite corpus (2015), presentado en la pasada edición del Festival de Cannes. La retrospectiva dedicada en el SEFF al cineasta austríaco iniciará así un ciclo itinerante que pasará por las filmotecas de Galicia, Valencia y Andalucía tras su paso por la capital hispalense. De allí es natural Juan Sebastián Bollaín, uno de los referentes para el experimental español. Siempre con un discurso crítico y lacerante, Bollaín siempre ha tenido a su ciudad bajo la lente como escenario de la historíca pasividad ciudadana ante las injusticias estamentales. En el SEFF se presentarán sus obras más relevantes, incluido material inédito en Super 8 y 16 mm restaurado por la Filmoteca de Andalucía.
Contra comedia europea en la sección Focus
Por otro lado, el SEFF dedicará una mirada a los movimientos paralelos de la comedia convencional en el cine europeo con 12 filmes donde tienen cabida el posthumor, la comedia social y políticamente incorrecta. Entre otros, se podrán ver en Sevilla el primer trabajo de Ben Wheatley, Down Terrace; la notable cinta italiana Belluscone. Una storia siciliana, de Franco Maresco; o la maravillosa Ilusión, uno de los hitos anónimos del 2013, dirigida por el habitual guionista pampilonense Daniel Castro. A continuación, todos los títulos de este apartado.
■ THE LAST BLACK SEA PIRATES (Svetoslav Stoyanov | Bulgaria | 2013) ■ ILUSIÓN (Daniel Castro | España | 2013) ■ TALLER CAPUCHOC (Carlo Padial | España | 2014) ■ 12+1, UNA COMEDIA METAFÍSICA (Chiqui Carabante | España | 2012) ■ DOWN TERRACE (Ben Wheatley | Reino Unido | 2009) ■ ALAN PARTRIDGE: ALPHA PAPA (Declan Lowney | Reino Unido, Francia | 2013) ■ BELLAS MARIPOSAS (Salvatore Mereu | Italia | 2012) ■ LE ROI DE L'ÉVASION (Alain Guiraudie | Francia | 2009) ■ BEST INTENTIONS (Adrian Sitaru | Hungría, Rumanía, Francia | 2011) ■ BELLUSCONE. UNA STORIA SICILIANA (Franco Maresco | Italia | 2014) ■ AFTERTHOUGHT (Elad Keidan | Israel | 2015) ■ AMERICAN BURGER (Johan Bromander, Bonita Drake | Suecia | 2014)
Lanthimos, Gomes, Panh y Garrel, primeros nombres para el SEFF 2015
Anticipo de la programación del 12º Festival de Cine Europeo de Sevilla.
Del 6 al 14 de noviembre se desarrollará una nueva edición del penúltimo gran certamen del año, el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Una plaza que repasa lo más granado de la producción del viejo continente y sirve de marco para las nominaciones de los Premios del Cine Europeo (EFA). Como es habitual, el equipo liderado por José Luis Cienfuegos ha liberado un mes antes los primeros títulos que podrán verse en la capital hispalense. Y el avance no puede ser más atractivo. Miguel Gomes —con su trilogía Arabian Nights—, Yorgos Lanthimos —con Langosta (The lobster)—, Matteo Garrone —con El cuento de lo cuentos (Il racconto dei racconti)—, Aleksey German Jr. —con una de las sensaciones de la Berlinale, Under Electric Clouds—, Philippe Garrel —con In the shadow of women—, y su hijo Louis —Two friends—, competirán por el Giraldillo de Oro, máximo entorchado del SEFF. «El SEFF vuelve a armar una propuesta cinematográfica integrada por grandes nombres de la cinematografía europea, títulos que han logrado el reconocimiento de muestras internacionales, y nuevas miradas que aportan discursos frescos y temas renovados a las pantallas del festival», subraya la nota de prensa del evento. A tenor de las primeras elecciones, se ha acertado en el clavo ya que vanguardia y sangre nueva van unidas de la mano.
Fuera de concurso, además, se estrenará la nueva película del canario Félix Sabroso, El tiempo de los monstruos, que cuenta con un guion escrito en solitario tras el fallecimiento de su compañera Dunia Ayaso y con un reparto encabezado por Javier Cámara, Carmen Machi, Pepón Nieto, Candela Peña y Julián López. En la Sección Nuevas Olas/No Ficción se ha confirmado el documental The Event, de Sergéi Loznitsa —creador de maravillas como En la niebla o Maidan—, La France est notre patrie, de Rithy Panh, No home movie, de Chantal Akerman, y The Sky Trembles And The Earth Is Afraid And The Two Eyes Are Not Brothers, de Ben Rivers (ambas sección oficial en Locarno). Para la Selección EFA se han anunciado dos obras: Body, de Malgoska Szumowska (presentada en Berlín) y The measure of a man, de Stepháne Brize (Sección Oficial de Cannes). Para finalizar, la organización del SEFF anunció una retrospectiva a Paul Vecchiali, una de las personalidades más valoradas del cine francés de las últimas tres décadas: crítico en Cahiers du cinéma, productor, actor y director, Vecchiali llegará a Sevilla, además, para presentar su nuevo filme: C’est l'Amour. Excelente, por tanto, primer aperitivo de lo que nos deparará en algo más de un mes el SEFF.
